Cyndi Sherman

Su temática es una de mis preferidas, sus autoretratos con los que en cierto sentido crea una “parodia” del estereotipo femenino me parecen fantásticos.

Y aunque a finales de los 80’s su trabajo causo polémica e inclusive repulsión, sus mensajes irónicos como resultan ser como la inconformidad que muchas mujeres tenemos con el aspecto superficial que nos describen las revistas de espectáculos, la televisión y los medios.

En una de sus últimas series de imágenes “Untitled” / Clowns (2004que ahora se presentan Sherman vuelve a utilizarse a sí misma como modelo, Se trata de dieciocho instantáneas chillonas manipuladas digitalmente que muestra a la artista con diferentes caracterizaciones de payaso. A la ambigüedad tragicómica de sus diferentes caracterizaciones se añade con ellas la puesta en tela de juicio del papel del artista en la sociedad.

Cindy Sherman parece preguntarse y preguntarnos ¿ Son los artistas hoy los bufones de la sociedad del espectáculo?....

julia Margaret Cameron

Esa imagen me fascina, la mirada y la sensación que me produce son inexplicables o quizás solo es mi fascinación por las alas, aun así a mi consideración su modelos se describe por una mirada tan cristalina que pareciera que abriera las puertas de su interior.

Una de sus preocupaciones era realizar obras genuinas, captar la belleza ideal que emana del rostro de sus modelos. Sus retratos de primeros planos son en realidad primerísimos planos tal vez con una intención metafísica. Se ve en estos retratos de Cameron una clara influencia de una corriente de pensamiento muy de moda en la Inglaterra de la época que es la frenología, que sostiene que la inteligencia y el carácter de la persona está marcado en la forma de la cabeza, parece que en ello incide la obsesión por analizar los rostros.



En lo que pude investigar acerca de su obra me toco leer que recibió algunas criticas
por sus defectos técnicos ya que sus fotografías están faltas de luz, pues sólo aplicaba una pobre iluminación cenital. Sin embargo, concuerdo en que todos estos detalles constituyen el carácter de su obra y agradezco el hecho de que nadie la convenciera de que apartara un poco su cámara del rostro humano que tenía delante, pues en lo particular su pasión acabó por convertirse en ese poético desenfoque que se admira en sus retratos.

Lewis Caroll

es el seudónimo por el que es conocido en la historia de la literatura Charles Lutwidge Dodgson .

Carroll trató de combinar los ideales de libertad y belleza con la inocencia edénica, donde el cuerpo humano y el contacto humano podían ser disfrutados sin sentimiento de culpa.

El tambien creador de “Alicia en el pais de las maravillas” se caracterizo por utlizar niñas como modelos.

Son fotografías de niñas serias, a veces se hacen las dormidas o están dormidas, pero en muchas de ellas las niñas miran al fotógrafo-espectador, sus miradas son inteligentes, cómplices, no están perdidas en el infinito donde los fotógrafos mandaban (y mandan) a sus modelos «no mires a la cámara», como si el modelo hubiera sido pillado en trance, privándonos de su mirada directa solo para nuestros ojos.


Una de sus fotografías mas interesantes, el retrato de perfil de Alicia Lidell en actitud pensativa, continúa siendo una foto cómplice, no transmite la idea de una foto robada.

Felix Nadar

1820-1910

A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1856 realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aeroestáticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna.
También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.
Entre las particularidades que tenia se encontraban su negacion colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz -modo de iluminar al modelo- y del gesto -mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados-, como elementos principales de la fotografía.

Misha Gordin

Rusia 1946


“El ingrediente mas importante de una imagen es el concepto”

Sus imágenes en torno al concepto son manipuladas y al respecto comenta:

Una imagen evidentemente manipulada acaba siendo engaño que muestra la carencia de comprensión del particular poder que posee la fotografía: grabar fehacientemente en nuestro subconsciente que lo capturado por la cámara ha existido.
En el mejor ejemplo de la imagen exitosamente manipulada, nunca surgiría la pregunta “¿Es esto real?”

En lo personal la manipulación en su trabajo me resulta bastante interesante, y es de admirarse que su trabajo le llega a ocupar horas, días e incluso semanas con algunas de sus obras por lo que es muy digno de considerarse artesanal.

Manuel Alvarez Bravo

(1902-2002)
Manuel Álvarez Bravo fotógrafo de la identidad mexicana del siglo XX, artista plástico y visual que durante más de cien años de vida, contribuyó a la definición de nuestro pueblo a través de sus imágenes que nos descubren y nos determinan; nos retratan y nos muestran, desde una legendaria lente y a través de plata sobre gelatina.

Sus imágenes registran personas, lugares y objetos que reflejan nuestra historia; contando un secreto, que no sólo tiene que ver con nuestra tierra, paisajes y tradiciones, sino que nos tocan en lo personal. Son imágenes relacionadas con nuestras ilusiones, nuestros fracasos, nuestras esperanzas, y que nos transportan hasta los recuerdos de la infancia. Este es el elemento poético que lo distingue y que al mismo tiempo lo hace universa.
Manuel Álvarez Bravo fue sensible a las ideas y el conocimiento de su tiempo y lo aplico en su quehacer fotográfico observar sus imágenes es como viajar a las raíces de la vida mexicana

Olivero Toscani

(1942, Milán)
Sin miedo a equivocarme lo considero mi favorito, conocido por sus polemicas y provocativas campañas publicitarias, admiro y coincido con muchos de sus puntos de vista…
"La fotografía no tiene que sufrir el complejo de la pintura porque ya la ha adelantado"…"Una foto tiene que ser publicada: está hecha para la comunicación de masas, no para estar pegada a la pared. Su fin es describir la condición humana"
Y a mi parecer sus obras lo corroboran pues ha metido la vida y la muerte, dos conceptos que nunca habían entrado en la publicidad.
El italiano ha criticado el conformismo y el conservadurismo de gran parte de los publicitarios porque "llevan a la inmovilidad". "Actualmente, los medios de comunicación son como los refrescos: sirven para aplacar la sed, pero no tienen calidad ni nutren”
El fotógrafo italiano aconseja a quien se ocupa de la comunicación "no tener ideas". "Quien tiene una idea no es creativo, la creatividad es una condición humana continua..